日本の型紙がヨーロッパのデザインを変えた〜KATAGAMI style展より

三菱一号館美術館で開催されていた『KATAGAMI styleー世界が恋した日本のデザイン展』を見た。

19世紀の後半以降、海を渡った日本の型紙が、どのように当時のヨーロッパに影響したのかを展望する、画期的にして、非常に興味深い内容の展示会だった。

まず、18世紀以降の日本の型紙の職人芸の細かさに圧倒された。文字通り、針の先で開けられたような小さな点を使い、植物の葉などの自然の形が、絶妙の、美しいバランスで描かれている。

まさに、1つのミスや失敗は許されない。その驚くべき技術と、忍耐力には、ただただ、驚かされるばかりだった。

そうした型紙は、江戸時代の庶民の衣装の地にプリントされた。会場には、型紙によって作られた小袖などの衣装が展示されていた。また、そうした衣装が描かれた、浮世絵の数々も展示されていた。

型紙は、19世紀の後半以降にヨーロッパで開催された万国博覧会で紹介され、ヨーロッパ人を魅了した。その後、短期間の間に、驚くべき数の使用後の型紙が、日本からヨーロッパに売られ、海を渡っていった。

それを最初に取り入れたのは、ウィリアム・モリスらに代表される、アーツ・アンド・クラフツ運動の作家たちだった。会場には、リバティー紹介のテキスタイルが多数、展示されていたが、日本の型紙による影響は一目瞭然だった。

それは、やがて、ドーバー海峡を超えて、ヨーロッパ大陸に広まっていった。フランスのアールヌーボー、エミール・ガレのガラス作品、ミュシャのポスター、モーリス・ドニの平面的な絵画作品などなど。

目の前に、日本の型紙と、そうしたこれまで日本人に馴染みのあった有名な作家たちの作品が並べられ、いかに、日本の型紙がヨーロッパのデザイン環境を変えたかが、言葉でなく、作品そのもので証明される。

影響はフランスに留まらない、ドイツのユーゲントシュティル、ヨーゼフ・ホフマンのウィーンの工房、その他にも、オランダ、ベルギーなどへも影響は続いた。

単に美しい物を並べるだけでなく、また文章で語るのではなく、作品を並べ、その関係性を明確に提示し、鑑賞者に新たな発見を促す。

この展覧会は、これまで見た数多くの展覧会の中でも、とりわけ深く心に印象が残る、忘れがたい展覧会であった。

三菱一号館美術館のKATAGAMI styleー世界が恋した日本のデザイン展の特設ページ

ダ・ヴィンチの名を冠する展覧会の難しさ

Bunkamura ザ・ミュージアムで開催された、『レオナルド・ダ・ヴィンチ　美の理想』展を見た。

レオナルド・ダ・ヴィンチそのもの、というよりは、彼の後世への影響、ということに焦点を当てた展覧会だった。

ダ・ヴィンチの『ほつれ髪の少女』。他にも、いくつかデッサンの作品が展示されていたが、これが最も確実に彼の作品とされ、この展覧会のポスターなどにも使われていた。会場の中でも、最もいい場所に飾られていた。

作品自体は実に素晴らしい。実に美しい。ひとりの少女が、向かって左下を、穏やかなやや悲しげな表情で、見つめている。

髪の部分は、簡素に描かれているだけで、その表情に焦点が当たっている。陰翳だけで、その少女の内面まで写し取ったような、繊細な筆使いで描かれている。

ダ・ヴィンチの作品であることが確実ではないが、その可能性がある作品として、『岩窟の聖母』と『アイルワースのモナ・リザ』という作品があった。

『岩窟の聖母』は、すでに2つの作品が知られている。もともと作品数の少ないダ・ヴィンチが、1つのテーマで3つの作品を描いたと考えるのは、明らかに不自然だろう。

後者のモナ・リザは、他の作家による模写などといっしょに並べられていた。そうした絵と比べると、確かにその技術は群を抜いているように見えたが、作品全体の雰囲気から、私にはダ・ヴィンチの作品とは思えなかった。

しかし、これほど多くのモナ・リザが並んだ光景はある意味で壮観。いかにこの作品が、後世に大きな影響を与えたということが実感できた。

他には、付き人あるいは弟子のように、いつもダ・ヴィンチの近くにいたサライの作品と考えられる『裸のモナ・リザ』や、ラファエロの工房によると思われる作品が、印象に残った。

しかし、よくよく考えて見ると、この展覧会には、小さなデッサンなどを除けば、ダ・ヴィンチの真作といえるものは、『ほつれ髪の少女』のみ。それで、大々的にダ・ヴィンチの名を冠して開催している。

観客の中には、”騙された。金を返せ。”と思う人もいるのではないだろうか？

Bunkamura ザ・ミュージアムの『レオナルド・ダ・ヴィンチ　美の理想』展特設ページ

『三都画家くらべ』展で江戸絵画を堪能

府中市美術館で開催された、『三都画家くらべ』を見た。この日、美術館のある府中の森公園は、桜が満開。多くの花見客が、休日をのんびりと過ごしていた。

現代であれば、新幹線で2時間半、飛行機で1時間の東京と大阪だが、江戸時代は、徒歩で行くと、なんと1ヶ月と言う長い期間を費やさなければならなかったという。

江戸時代の人が感じていた、江戸と京や大阪との距離感は、現代人が感じる、東京と京都・大阪との距離感とは、全く違っていたに違いない。

京都からは、円山応挙、池大雅、尾形乾山、長山芦雪、呉春、与謝蕪村、曾我蕭白、伊藤若冲などの作品が。江戸からは、狩野探幽、司馬江漢、宋紫石、葛飾北斎、谷文晁、英一蝶、歌川国芳などの作品が紹介されていた。

この展覧会の特徴は、これまであまり紹介されることがあまりなかった、林閬苑、森狙仙、上田公長、佚山などの大阪の絵師の作品にスポットを当てていること。

大阪は、港町ということもあってか、長崎経由でもたらされた中国の絵画技法の影響を受けた作品が多いようだ。

蘭学者としても知られる渡辺華山による桃花図扇面。江戸時代における知識階級の人物の才能の多彩さを感じさせる、小品ながら見事な作品だ。

歌川広重の武蔵多満川図。浮世絵のイメージとは異なる、伝統的な手法で描かれた水墨画。今の調布付近の多摩川の湖畔を描いているが、現在の風景からは全く想像もできない風景がそこにある。

長沢蘆雪のなめくじ図。ナメクジが歩いた後が、一筆書きで描かれている。はたして、本当の意味で、この図を描いたのは、芦雪なのかナメクジなのか？

江戸時代を代表する、蒼々たる絵師の作品を満喫し、桜の花が舞い散る中を、満足感一杯で帰途についた。

府中美術館の『三都画家くらべ』展のホームページ

桜の咲く季節 セザンヌと会す

桜が満開の頃、新国立美術館で開催された『セザンヌーパリとプロバンス』展を見た。

セザンヌの絵と言うと、サント・ヴィクトワール山に代表される風景画、リンゴに代表される静物画、人間の個性が感じられない物のような肖像画・・・といったものを自然と思い浮かべてしまう。

それは、まるで、日本人が桜を見る時に、それを単なる花として見れないような、そんな固定概念のようなものが、私たちを邪魔してしまう。

しかし、この展覧会では、そうした固定概念を、いい意味で壊してくれる作品が多くあり、春の一日をとても楽しめることができた。

セザンヌが、20才の頃に自宅の装飾用に描いたという、それぞれ四季を表す大きな4つの作品。パステル調の色合いで、四季を代表する女性像がそれぞれ描かれている。後年のセザンヌの人物画像とは全く異なった趣の作品だ。

セザンヌが、第1回印象派展に出品した『首吊りの家ーオーヴェール＝シュル＝オワーズ』。ピサロらの印象派の人々との交流を始めた頃の作品で、印象派の影響を受けているのがわかる。セザンヌのタッチは、この後、もっと荒くなっていくが、この作品ではそれに比べると繊細なタッチで、何気ない風景を、趣あるものにしている。

『サンタンリ村から見たマルセイユ湾』。マルセイユ湾のやや濃いめの青と、空の淡い青が、キャン版のほぼ全体を覆っている。その2つの青の色が美しい。セザンヌにとって、空とか海とかいう違いは、あまり関係なかったのかもしれない。セザンヌは、単にこの2つの色合いを描きたかったのだろう。

『水の反映』。湖の木々の緑が反映している。実際の木々の緑と、湖に映っているその反映が、ほとんど区別がつかないほど、荒いタッチで描かれている。

『フォンテーヌブローの岩』。岩肌が、やや紫色がかった色で彩色されている。それが、岩を、なにか生命観を持った不思議な存在にしている。

『トロネの道とサント＝ヴィクトワール山』。絵の前に立っていると、サント＝ヴィクトワール山が、こちらに迫ってくるように感じられる。セザンヌの故郷にそびえるこの山は、彼に取って特別な存在だった。その表現力には、ただただ圧倒させられる。

セザンヌの肖像画は、表情が細かく描かれていないので、一見すると、個性が感じられないように見える。しかし、セザンヌは、表情でなく、別なもので、その人物像を表そうとしている。

『座る農夫』。この絵を見ると、まず、その手の異様な大きさにまず目がいく。その反面、顔が不釣り合いなほど小さい。この年老いた農夫は、その一生のほとんどを、畑仕事に費やしてきたのだろう。セザンヌは、そのことを、手と顔の表現で表したかったのかもしれない。

『りんごとオレンジ』。実に不思議な静物画だ。一見すると、りんごやオレンジは、空中にフワフワと漂っているように見える。よくよく見ると、確かにテーブルの上に置かれているのだが、テーブルの上に、白と鮮やかな色のシーツが広げられているので、そのテーブルがよくわからずに、まるで浮いているような印象を与える。

『牛乳入れと果物のある静物』。これも不思議な静物画だ。白い皿がテーブルの上にあるのだが、その向きが明らかに不自然で、この皿だけが別な方向から描かれているようだ。こうした表現が、後のピカソなどに影響を与えたのだろう。

晩年の3つの作品。『5人の水浴の男たち』『サント＝ヴィクトワール山』『庭師ヴァリエ』。セザンヌは、晩年を故郷のプロヴァンスで、絵を描いて過ごした。この3つの作品を見ると、対象はいずれも異なるが、同じものを描いているように見える。セザンヌが描こうとしていたもの。それは、個々の対象を超えている存在、とでもいうべきものだろうか。

巨匠の名を欲しいままにし、後世の多くの画家から”礼賛”されてきたセザンヌ。この展覧会では、どうしてそれほどまでにセザンヌが讃えられるのか。その一端をかいま見ることができた。

『セザンヌーパリとプロバンス』展の特設ページ

春の院展で日本画にお腹いっぱい

日本橋三越で開催されていた、第67回春の院展を見た。

入選点数314点、同人作品展数32点、出品総点数346点。これだけの日本画を短い時間で味わうと、その多様さに、ただただ圧倒される。

描かれていたテーマは実に多彩だった。

何といっても、圧倒的に風景画が多い。季節は春、夏、秋、冬。何気ない都会や田舎の景色もあれば、遠い外国の風景もある。朝もあれば、昼もあり、夜もある。

人物画も多い。しかし、描かれているのは圧倒的に女性が多い。男性を描いた絵もあるが、ほとんどが外人を描いたもの。男は絵にならないのだろう。和服の女性、洋服の女性、裸の女性などなど。

動物の絵も目についた。花鳥風月的な伝統的な作品もあれば、犬やネコなどの身近な生き物を描いた作品もある。

描き方もいろいろ。しかし、日本画の特徴は、その丹念な筆使い。時々、思わず目を近づけて、どのように描いているのか、じっくりと観察してしまう。

これだけ多くの作品を一度に見ると、自分が好む絵の傾向がよくわかって面白い。外国の風景、女性、そして、非現実的な感覚の絵。それらが、私の今の好みのようだ。

そうした作品の中で、印象に残った作品は以下の通り。順番に特に意味はない。

小野田尚之『映』。山のほとりの緑に満ちた景色が、田んぼかあるいは池にきれいに映っている。その水の上に映った景色の美しさにただただ見とれた。

山口裕子『春よ恋』。不思議な色彩感覚の世界の中で、ウサギたちが思い思いに戯れている。ウサギの背中には、鮮やかな花々が飾られている。何とも不思議な世界。

三浦愛子『夢と寝台』。画面右手の寝台に、一人の人物が仰向けに横たわっている。この風景は、この人物が見ている夢の中の世界なのか？どことなく、クリムトを思い出すような作品。

岡倉天心が設計した茨城県五浦海岸の六角堂を描いた作品が何点か目についた。六角堂は、昨年の東日本大震災後の津波で流出してしまった。それらの絵が語っていることは、私たちの心に素直に伝わってくる。

三越美術館の春の院展の特設ページ

日本美術院のホームページ

田中敦子、アイオー、福島秀子・・・アート盛りだくさん、刺激的

東京都現代美術館で開催されていた、田中敦子ーアート・オブ・コネクティング、アイオー　ふたたび虹のかなたに、特別展示ー福島秀子のそれぞれの展覧会を見た。

田中敦子は、1954年に結成された”具体”という芸術家集団で主要メンバーとして活躍していた。

会場には、カラフルな点と線で構成される田中の作品が、整然と並べられていた。

アイオー（実際は漢字なのだが、変換で表示されないのでカタカナで記述する）は、虹、レインボーを様々な形で表現することで知られている。

ニューヨークにわたり、身の回りに溢れる様々な個性的なアーティストに囲まれ、その中でこのアイデアを思いついたのだろう。

アイオーは、オノヨーコらとともに、フルクサスのメンバーとして活躍していた。当時のパフォーマンスの写真が展示されていた。まるで、大学の学園祭でワイワイガヤガヤやっている感じ。今のアーティストは、ちょっと大人しくなったのだろうか・・・

観光地の記念撮影のように、ここで撮影が可能。美術の展覧会では珍しい。でも、記念写真を撮っている人は見かけなかった・・・

部屋いっぱいに、虹でえがかれた様々な絵が並ぶと壮観。特に目についたのは、花札に描かれた絵柄を並べて、屏風にした作品。

常設展示の会場では、福島秀子の作品を中心に、1950年代に活動した、実験工房た具体美術協会の作品が、展示されていた。

実験工房には、作曲家の武満徹らも参加していた。様々なジャンルのアーティスト達が集まり、前衛的な芸術活動を展開した。

アンフォルメルを主導していたミシェル・タピエは、福島秀子の作品に注目し、直接、彼女のアトリエを訪れたという。

屋外の展示場には、トランスゾーラー＋近藤哲雄による、Couldscapesも展示されていた。左上にある箱の内部は、そのちょうど中間の部分に、雲が作られている。

階段を上ることで、地上から雲を突き抜けて、雲の上に出るような感覚が味わえる。

時代の違う、いろいろなアーティスト、アート集団の作品が、一度に鑑賞でき、とても刺激的な時間を過ごすことができた。

法隆寺あるいは聖徳太子を慕う風景

日本橋高島屋で、法隆寺展が開催された。

創建あるいは再検討寺の古い瓦屋根。聖徳太子をかたどった仏像、絵画。法隆寺ゆかりの品々などが展示されていた。

それらの作品をみると、どうやら、聖徳太子を敬う人たちは、聖徳太子と仏陀そのものを重ねてイメージしているように見える。

聖徳太子が書いたと言われる、三経義疏。そのうち、維摩経義疏の写本が展示されていた。本当に聖徳太子が書いたかどうかは、諸説があるようだが、日本に仏教が伝わった時代の息吹を残した書物であることは間違いない。

今年2012年は、聖徳太子が亡くなってから1390年目にあたる。

聖徳太子は、天皇家の一員として、当時の政治にも深く関わっていた。有力な政治家、蘇我馬子のブレーンのような存在になり、実際の先頭にも加わった可能性もある。

今日では、宗教的なイメージが強く漂うが、本当の姿は、もっと泥臭い、人間味に溢れた人物だったのかもしれない。